Ramon van de Werken (1948)

peintre, dessinateur, graphiste, sculpteur

1970-1971 Gerrit Rietveld Akademie, Amsterdam 1979-1996 Maître de conférences à l'Académie d'art AKI, Enschede 1979 Fondation des éditeurs Kalamiteit, Dokkum 1981 Fondation de l'initiative des artistes Fondation Kalamity, Dokkum 1995-1998 Membre du comité consultatif provincial des arts visuels Frise

Ramon des Travaux

Ramon van de Werken (1948) a brièvement fréquenté l'Académie Rietveld à Amsterdam au début des années 1970, mais il a rapidement décidé de trouver sa propre voie. Pour se libérer des idées trop romantiques sur l'art et pour « accepter son propre temps », il a regardé autour de lui et a peint essentiellement tout ce qui lui venait à l'esprit : maisons, intérieurs, jardins, parents, amis, animaux de compagnie. Certains sujets sortaient du lot et étaient parfois poussés à l'extrême. Par exemple, il a réalisé des dizaines de natures mortes colorées (un critique l'appelait « balorige ») avec des fleurs dans toutes sortes de vases et en combinaison avec des cendriers en constante évolution ou des articles de consommation ou de décoration comparables, pour lesquels le catalogue Wehkamp pouvait littéralement et figurativement être une source d'inspiration. En outre, d'autres groupes d'œuvres sont apparus, tels que des peintures pour lesquelles il a pris ses propres outils de peinture et de menuiserie comme sujets; certaines des peintures qu'il a réalisées étaient en trois dimensions, peintes sur une surface de puzzle. Presque tous les travaux dégageaient une énergie joyeuse qui semble également caractériser ses autres projets. En 1981, il a été co-fondateur de la Fondation Kalamiteit, une société d'impression/édition pour artistes à Dokkum qui s'est depuis agrandie avec plusieurs ateliers où les artistes peuvent se rendre pour la mise en œuvre de divers types de projets, et derrière lesquels Van de Werken est toujours la force motrice est - parfois contre volonté et grâce, mais avec un idéalisme non diminué. En 1977, il peint la forêt pour la première fois. Au départ, c'était une vue d'une lisière de forêt près de sa maison à Driesum en Frise, une façade verte qu'il a peint des dizaines de fois pour remplir l'écran, toujours au milieu de l'été, jamais en aucune autre saison. Il était clair que ce sujet signifiait plus pour lui que, disons, les natures mortes (qu'il a cessé de faire après un certain nombre d'années) et les œuvres connexes, et au fil des ans, la forêt deviendrait le thème principal, réunissant certains de ses intérêts. . . . En 1975, il avait acheté un hectare près de Driesum où il a planté toutes sortes d'arbres et qui a maintenant atteint sa pleine croissance. La forêt n'était plus seulement pour lui une occasion pittoresque de peindre, mais elle suscitait aussi de plus en plus d'intérêt pour les aspects scientifiques des choses tels que les processus de croissance, la photosynthèse et la synergie. L'intérêt de Van de Werken pour des questions telles que la photosynthèse, c'est-à-dire l'effet de la lumière du soleil sur la chlorophylle - une condition de la croissance des arbres et des plantes - l'a conduit à expérimenter le dessin au début des années 1980 pour voir s'il pouvait également voir une croissance similaire. process in a pu réaliser son travail visuel. Dans un sens, il travaille toujours sur cette expérience, et ses peintures, son travail spatial et ses expériences informatiques peuvent tous être considérés comme faisant partie de ce grand projet. Ces premiers dessins étaient des esquisses pour lesquelles il élaborait des règles et des critères, moitié consciemment et moitié intuitivement. Le point de départ était de trouver un modèle, un système, qui corresponde autant que possible à la croissance des feuilles d'un arbre : toutes les feuilles poussent à partir du même principe, mais aucune ne se ressemble exactement ; aucun arbre ou feuille n'est complètement symétrique, mais il y a toujours un équilibre ; la vue d'un arbre ou d'un paysage naturel procure généralement à l'homme un plaisir esthétique. Afin de trouver un système comparable, il procéda de la manière suivante lorsqu'il dessina dans son atelier. Tout d'abord, une ligne courte est mise sur papier et une deuxième ligne est placée contre elle, mais ne peut pas traverser la première de sorte qu'il n'y ait jamais d'intersection mais toujours une fourche à trois. L'angle auquel les lignes se rencontrent n'est peut-être pas trop petit, mais sa taille est déterminée expérimentalement : quand est-il encore beau ? où l'image s'obstrue-t-elle ou s'emmêle-t-elle avec elle-même ? etc. Les peintures qu'il a réalisées à partir des croquis les plus réussis ressemblent à des puzzles où il n'y a pas deux pièces identiques. Les « pièces du puzzle », généralement des octogones ou des octogones pointus, ne reposent pas à plat les unes à côté des autres, mais sont inclinées entre elles, créant une image spatiale avec un jeu compliqué d'ombre et de lumière. Comme une canopée dense, mais artificielle - ou artistique. Cependant, Van de Werken n'utilise pas qu'une seule méthode, mais prend parfois de longs détours pour réaliser un tableau. Ainsi, quatre grands tableaux ont été créés car il a d'abord sélectionné un dessin pour chacun, exécuté un travail spatial en béton à partir de ce dessin, l'a photographié et finalement utilisé des agrandissements de celui-ci comme fond de peinture. Il utilise également l'ordinateur pour déterminer le bon effet de lumière et d'ombre. Récemment, après un long labeur, il a terminé un programme informatique qui peut fonctionner comme un économiseur d'écran pendant douze heures consécutives et dans lequel une image fixe peut être vue, une "peinture" de la forêt qui émerge progressivement de l'obscurité et disparaît plus tard à nouveau , illuminé par le « soleil » qui se lève et se couche lentement, avec le glissement d'ombres le plus réaliste possible, des intensités de couleurs variables et le chant des oiseaux. Les formes des peintures de Van de Werken qui pendent dans l'image comme de grandes feuilles ou tourbillonnent vers le bas ne rappellent pas toujours des pièces de puzzle et peuvent prendre toutes sortes de formes. Récemment, de plus en plus de fragments peints réalistes sont apparus (généralement en 'grisaille' - mais avec une couleur au lieu de gris), comme, par exemple, une feuille ornementale ou un motif floral d'un bijou ou d'un ustensiles. Les couleurs et les formes des « feuilles » semblent rarement naturelles, mais des fragments de troncs d'arbres et de branches peuvent généralement être discernés dans l'espace crépusculaire en arrière-plan, nous rappelant que nous avons toujours affaire à une forêt. Van de Werken dit qu'il préfère la forêt à la fin juillet, lorsque les feuilles sont à leur maximum et d'un vert plus foncé ; et tout aussi pleine, tout aussi lourde on dirait presque - malgré la légèreté et l'optimisme avec lesquels elles sont nées - est l'atmosphère dans nombre de ses peintures. En plus de toutes ces « expériences » et de cette plénitude, il y a aussi une grande variation dans la manière dont la peinture est appliquée sur la toile, dans l'écriture : il peut y avoir de grandes différences entre la manière dont le fond et les « feuilles » sont créées, tout comme entre les « feuilles » - l'unité dans le « style » semble être la dernière chose à laquelle Van de Werken aspire. Bref, il sort beaucoup de registres à la fois pour obtenir une grande richesse dans l'image, mais aussi pour atteindre un équilibre entre la planification et l'intuition, entre la nature (ou la vie) et l'art, et entre l'art et la science - tout ceci de préférence réalisé dans un processus « héroïque », dans lequel tout se met en place et tout est juste. À l'aide de la méthode du chercheur, il décortique non seulement son sujet, la forêt, mais encore et encore sa propre façon de faire de l'art ; et avec la liberté de l'artiste, il rassemble tous les fragments qu'il a trouvés en images jamais vues auparavant. (Ruud Schenk 1998)